STUDIO DABBENI

Esposizioni

Stuart Arends

There To Here

Nel 1980 ho iniziato ad usare materiali di recupero, ma lo facevo solo in determinate occasioni, normalmente non ero solito usare materiali di recupero, ad eccezione di qualche scatola, nemmeno molto vecchia. Un paio di anni fa ero in un negozio di antiquariato in Iowa per cercare dell’oggettistica per casa mia, quando ho notato un mucchio di vecchi cubi con le lettere dell’alfabeto e delle immagini in rilievo. C'era qualcosa in loro che mi incuriosiva così, quasi per un capriccio, ne ho acquistati alcuni e li ho portati in studio. Li ho lasciati su uno scaffale per un anno prima di capire che cosa avrei potuto farci. Il risultato fu quello che ora chiamo "Kid Blocks". Si tratta di pezzi più potenti e interessanti di quanto avessi immaginato e, grazie a questo primo tentativo, sono stato poi spinto alla ricerca di altri "oggetti trovati" da portare in studio e plasmare: scatole, barchette e tante altre forme. Quindi, quello che era iniziato come una curiosità, è diventato un cambiamento di rotta nel mio lavoro che credo continuerà anche nel prossimo futuro. 

Stuart Arends (Iowa, 1950, vive e lavora nel New Mexico) presenta la sua terza esposizione personale allo Studio Dabbeni con una serie di lavori inediti realizzati nel corso degli ultimi due anni. L’artista americano si è cimentato nell’utilizzo di scatole o di giocattoli “trovati”, intervenendo con la sua personalissima tecnica fatta di cera e colori ad olio. Il suo lavoro oscilla, da sempre, tra la scultura e la pittura ma nelle ultime opere la raffinata stesura minimalista interviene su degli oggetti che non sono più dei semplici supporti neutri: essi sono carichi di sentimenti familiari o di rimandi legati alla sua memoria visiva e cognitiva dove si esaltano le qualità tattili, pittoriche e gestuali dell’artista.

 

THERE TO HERE

Speaking in general terms, the importance of the arts is that they set up the potential for an aesthetic experience, which is simply an exchange of energy between a person who makes something and the person who comes into contact with it and has a meaningful experience as a result. My aim in the studio has always been to find the shortest, most unencumbered route to chat experience, which means working with things that are not open to interpretation and therefore the most direct and least confusing as possible.nSubject matter in painting is only an excuse to participate in the attività of making a painting. Subject matter can be a "hook" that pulls you in from across the room, or it can be like the armature in a traditional sculpture, just something to hang your materials on. But the real communicative potential of any painting, representational or not, is contained in the actual, physical materiality of the thing itself. Since the advent of the camera in the mid 19th century, painters from the Impressionists to Robert Ryman have been reducing their imagery in han attempt to put the emphasis on the "painting", rather than on the "picture". Giorgio Morandi spent the majority of his career painting the same bottles and boxes over and over emphasizing the fact that the specifics of subject matter are not important. Robert Ryman makes only white paintings. Sherrie Levine makes paintings using stripes and checkerboards as "generic" subject matter so they aren't open to mis-interpretation. Frank Stella's paintings were the first for which the term, "painting as object" was applied, but all paintings are objects whether they have recognizable subject matter or not, so what's important is not "what" has been painted, but "how" it's been painted, or, just the fact the it "has" been painted. So if it's not important "what" has been painted, then, referring to the Duchampian idea of function relative to context and intent, anything can be painted. The works comprising the exhibition, "There to Here", are all things I have come upon and responded to because of their inherent visual and tactile qualities, and their sense of history and of having been used. I like to think of these qualities as the subject, or "hook" which initially attracts one to the piece, and the painting I add to it as bringing it into the context of contemporary art. And as with Ryman's white paintings or Morandi's bottles, there is no question as to what they are. Hopefully te set up the potential for an aesthetic experience and become the source of a meaningful, positive exchange.

Stuart Arends, 2015